Tôi muốn bạn chú ý đến quan niệm sai lầm phổ biến nhất về nhiếp ảnh - thuật ngữ “chuyên nghiệp” được sử dụng cho những bức ảnh thường được coi là thành công, thuật ngữ “nghiệp dư” được sử dụng cho những bức ảnh không thành công. Nhưng hầu như tất cả những bức ảnh đẹp đều được tạo ra - và luôn được chụp - bởi những người theo đuổi nhiếp ảnh vì tình yêu - và chắc chắn không phải vì lợi nhuận. Thuật ngữ “người yêu” hàm ý một người làm việc nhân danh tình yêu, do đó, sai lầm của cách phân loại được chấp nhận rộng rãi là hiển nhiên.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz sinh ngày 1 tháng 1 năm 1864 tại Hoboken, New Jersey, trong một gia đình Do Thái giàu có nhập cư từ Đức. Năm 11 tuổi, anh thích xem tác phẩm của một nhiếp ảnh gia trong một studio ảnh địa phương và thích thú theo dõi những điều kỳ diệu diễn ra trong phòng thí nghiệm. Một ngày nọ, anh nhận thấy một nhiếp ảnh gia đang chỉnh sửa âm bản.
“Tôi đang cố gắng làm cho hình ảnh trông tự nhiên hơn”, nhiếp ảnh gia giải thích mục đích thao tác của mình.
Nếu tôi là bạn, tôi sẽ không làm điều này”, cậu bé nói sau khi suy nghĩ.
Cha mẹ của Alfred muốn cho con mình một nền giáo dục tốt ở châu Âu và trở về Đức vào năm 1881. Tại Berlin, Alfred vào Khoa Cơ khí của Trường Kỹ thuật Cao cấp. Chẳng bao lâu, khuynh hướng nghệ thuật đã thức tỉnh trong chàng trai trẻ, anh khám phá ra hội họa và văn học, đồng thời gặp gỡ những nghệ sĩ và nhà văn tiên phong. Năm 1883, khi đang đi dạo quanh Berlin, ông để ý thấy một chiếc máy ảnh trong cửa kính một cửa hàng: “Tôi đã mua nó, mang nó về phòng và kể từ đó hầu như không bao giờ rời xa nó. Cô ấy quyến rũ tôi, ban đầu đó là sở thích của tôi, sau đó là đam mê”, anh nhớ lại. Trong một thời gian, anh học dưới sự hướng dẫn của giáo sư quang hóa Hermann William Vogel, nhưng người thầy chính của anh là thế giới xung quanh.
Chàng trai trẻ đã đi du lịch rất nhiều nơi khắp châu Âu, hầu như không bao giờ rời khỏi máy ảnh, chụp phong cảnh đô thị và thiên nhiên, nông dân, ngư dân, v.v. Đó là khoảng thời gian thử nghiệm, anh bị thu hút bởi rìa của “điều có thể về mặt kỹ thuật”: một ngày nọ, anh chụp ảnh một chiếc ô tô đứng trong tầng hầm tối, được chiếu sáng bởi một bóng đèn mờ. Cuộc triển lãm kéo dài 24 giờ! Năm 1887, Stieglitz được trao giải thưởng tại cuộc thi nhiếp ảnh gia nghiệp dư ở London - ông đã nhận được huy chương bạc từ tay Peter Henry Emerson, tác giả cuốn sách nổi tiếng Nhiếp ảnh tự nhiên dành cho sinh viên nghệ thuật.
Trở lại New York vào năm 1890, Stieglitz trở thành đối tác của Công ty khắc Photochrome. Nhưng niềm đam mê chính của ông là nhiếp ảnh, và nó đã đáp lại ông - cho đến đầu thế kỷ 20, ông đã nhận được hơn 150 (!) giải thưởng và huy chương tại các cuộc thi và triển lãm khác nhau ở quê hương và vượt xa biên giới của nó. Không chỉ tài năng chắc chắn, mà chỉ đơn giản là hiệu suất tuyệt vời là lý do cho sự thành công như vậy. “Bạn nên chọn một địa điểm, sau đó nghiên cứu kỹ đường nét và ánh sáng,” Stieglitz dạy, “Sau đó, quan sát các hình vẽ lướt qua và đợi thời điểm mọi thứ cân bằng, tức là khi mắt bạn đã hài lòng. Điều này thường có nghĩa là phải chờ hàng giờ. Bức ảnh “Đại lộ số 5 vào mùa đông” của tôi là kết quả của việc tôi đứng dưới cơn bão tuyết suốt ba tiếng đồng hồ vào ngày 22 tháng 2 năm 1893 để chờ đợi thời điểm thích hợp.” Một lần khác, anh ấy nói chi tiết hơn về bức ảnh này: “Tầm nhìn của con phố trông rất hứa hẹn… Nhưng không có cốt truyện, không có kịch tính. Ba giờ sau, một con ngựa kéo xuất hiện trên đường, băng qua cơn bão tuyết và lao thẳng vào tôi. Người đánh xe quất ngựa vào hai bên. Đây chính là điều tôi đã chờ đợi." Anh ấy thường quay lại cùng một đối tượng trong nhiều tuần, thậm chí nhiều tháng, chờ đợi… bản thân anh ấy cũng không biết chính xác mình đang chờ đợi điều gì.
Tại sao bạn tiếp tục thuê tòa nhà này? - bố anh từng hỏi.
Tôi đang đợi thời điểm nó di chuyển về phía tôi”, nhiếp ảnh gia trả lời. - Đây không phải là một tòa nhà, đây là hình ảnh của nước Mỹ. Và tôi muốn bắt nó.
Mặt khác, anh ấy không cố gắng tìm kiếm bất kỳ bản chất kỳ lạ nào, mà thích “khám phá những gì đã được nghiên cứu”: “Tôi tìm thấy những đối tượng cách cửa nhà tôi 60 thước,” anh ấy nói.
Ngay từ khi bắt đầu sự nghiệp nhiếp ảnh gia, Stieglitz đã phải đối mặt với thái độ coi thường nhiếp ảnh của giới thượng lưu nghệ thuật: “Những nghệ sĩ mà tôi cho xem những bức ảnh đầu tiên của mình nói rằng họ ghen tị với tôi; rằng ảnh của tôi đẹp hơn tranh của họ, nhưng thật không may, nhiếp ảnh không phải là nghệ thuật. “Tôi không thể hiểu làm thế nào bạn có thể đồng thời ngưỡng mộ một tác phẩm và từ chối nó vì nó không được làm bằng tay, làm thế nào bạn có thể đặt tác phẩm của mình cao hơn chỉ trên cơ sở chúng được làm bằng tay,” Stieglitz phẫn nộ. Anh ấy không thể chấp nhận tình trạng này: “Sau đó, tôi bắt đầu đấu tranh… để được công nhận nhiếp ảnh như một phương tiện thể hiện bản thân mới, để nó có quyền bình đẳng với bất kỳ hình thức sáng tạo nghệ thuật nào khác. ”
Năm 1893, Stieglitz trở thành biên tập viên của tạp chí Nhiếp ảnh gia nghiệp dư người Mỹ, nhưng nhanh chóng bắt đầu gặp vấn đề với các đồng nghiệp của mình: phong cách quản lý của ông tỏ ra quá độc đoán. Năm 1896, ông buộc phải rời ghế biên tập và bắt đầu thực hiện một ấn phẩm ít được biết đến có tên Camera Notes, được xuất bản dưới sự bảo trợ của hiệp hội nhiếp ảnh gia nghiệp dư, Câu lạc bộ Máy ảnh New York. Cả các nhiếp ảnh gia và hầu hết các tác giả của bài viết đều không nhận được tiền cho công việc của họ, nhưng mặc dù tiết kiệm rất nhiều, tạp chí vẫn thua lỗ: Stieglitz thường - may mắn thay, ông khá độc lập về tài chính - đã phải tự mình báo cáo số tiền còn thiếu. Nhưng anh ấy đã nhận được một nền tảng tuyệt vời để phổ biến ý tưởng của mình, để quảng bá những bức ảnh của anh ấy và bạn bè.
Đầu năm 1902, giám đốc Câu lạc bộ Nghệ thuật Quốc gia Charles De Kay yêu cầu Stieglitz tổ chức một cuộc triển lãm về nhiếp ảnh đương đại của Mỹ. Cuộc tranh luận sôi nổi đã nổ ra giữa các thành viên câu lạc bộ về việc nhiếp ảnh gia nào nên tham gia triển lãm. Không thể đạt được sự ủng hộ của đa số, Stiglitz đã dùng đến một thủ thuật: ông thành lập một nhóm sáng kiến từ những người ủng hộ mình, nhóm này được ông giao phó việc tuyển chọn các bức ảnh. Nhóm đã đi vào lịch sử nhiếp ảnh với cái tên “Photo-Secession”, được thành lập vào ngày 17 tháng 2 năm 1902, hai tuần trước cuộc triển lãm.
Trong lễ khai mạc triển lãm, Gertrude Casebier hỏi:
Ly khai ảnh là gì? Tôi có thể coi mình là Người theo chủ nghĩa ly khai ảnh không?
Bạn có cảm thấy như một thành viên của câu lạc bộ? - Stiglitz trả lời câu hỏi bằng một câu hỏi.
Có,” Gertrude trả lời.
Chà, thế là quá đủ rồi,” Stiglitz đảm bảo với cô.
Tuy nhiên, khi Charles Berg, một số bức ảnh được đưa vào triển lãm, hỏi câu hỏi tương tự, Stieglitz đã từ chối anh ta một cách độc đoán, nếu không muốn nói là thô lỗ. Mọi người nhanh chóng nhận ra rằng quyết định “trở thành hay không trở thành” một nhiếp ảnh gia cụ thể với tư cách là thành viên của “Photo-Secession” là do đích thân Stieglitz đưa ra và không phải thảo luận.
Các thành viên chính của câu lạc bộ, theo một nghĩa nào đó, là những người được người sáng lập và chủ tịch thường trực của câu lạc bộ yêu thích, là Edward Steichen, Clarence White, Gertrude Casebier, Frank Eugene, Frederick Holland Day và sau này là Alvin Langdon Coburn. Ấn phẩm chính thức của nhóm trong 14 năm tiếp theo là tạp chí Camera Work.
Năm 1905, Stieglitz thành lập Phòng trưng bày ảnh ly khai nhỏ, được gọi là Phòng trưng bày 291. Nó có cái tên lạ lùng vì địa chỉ của nó: phòng trưng bày nằm ở số 291 Đại lộ số 5. Cùng với những bức ảnh, “Gallery 291” trưng bày tranh của các họa sĩ đương đại: Matisse, Renoir, Cezanne, Manet, Picasso, Braque, Rodin, O'Keeffe... Những cuộc triển lãm này không phải lúc nào cũng thành công trong giới phê bình nghệ thuật và công chúng nói chung: chẳng hạn , vào năm 1908, cuộc triển lãm của Matisse đã gây ra sự tấn công từ các nhà phê bình và sự phản đối từ các đồng chí của ông trong Câu lạc bộ Máy ảnh. Stiglitz bị xúc phạm thậm chí đã rời khỏi tư cách thành viên câu lạc bộ và không có sự thuyết phục nào có thể buộc anh ta quay trở lại.
Năm 1911, cuộc triển lãm và bán các tác phẩm của Picasso kết thúc trong thất bại hoàn toàn: “Tôi đã bán một bức vẽ mà ông ấy vẽ khi còn là một cậu bé mười hai tuổi, bức thứ hai tôi tự mua,” Stieglitz viết một cách cay đắng, “Tôi xấu hổ về nước Mỹ khi Tôi đã trả lại tất cả các tác phẩm cho Picasso. Tôi đã bán chúng với giá 20-30 đô la một món. Toàn bộ bộ sưu tập có thể được mua với giá 2.000 USD. Tôi đã đề xuất điều đó với giám đốc Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan. Ông ấy không thấy gì trong tác phẩm của Picasso và nói rằng những điều điên rồ như vậy sẽ không bao giờ được nước Mỹ chấp nhận”.
Nhưng phòng trưng bày rất phổ biến trong giới trẻ sáng tạo. Vào mùa thu năm 1908, một cuộc triển lãm các bức vẽ của Rodin đã diễn ra ở đó. Georgia O'Keefe, một sinh viên tại Đại học Columbia, nhớ lại: "Tất cả giáo viên của chúng tôi đều nói: 'Để đề phòng, hãy đi xem triển lãm. Có thể có thứ gì đó trong đó, có thể không có gì. Nhưng bạn không nên bỏ lỡ nó'". - "Người phụ trách triển lãm là một người đàn ông có mái tóc, lông mày và ria mép mọc lệch hướng và đứng thẳng. Anh ta rất tức giận và tôi tránh mặt anh ta. Nhưng những bức vẽ đã khiến tôi ấn tượng. Cả bằng sự thẳng thắn và sự thật rằng chúng hoàn toàn không được làm theo cách tôi được dạy.”
Vài năm sau sự kiện này, Stieglitz đã tự mình trưng bày các tác phẩm của Georgia O'Keefe mà quên xin phép tác giả, khi biết chuyện, cô lập tức đến studio:
Ai cho phép bạn trưng bày tác phẩm của tôi? - cô gái phẫn nộ hỏi.
“Không ai cả,” Stiglitz thành thật thừa nhận, đeo kính kẹp mũi vào.
“Tôi, Georgia O’Keefe,” cô hét lên, “và tôi yêu cầu anh loại bỏ tất cả những thứ này khỏi cuộc triển lãm.”
“Anh không thể làm điều đó,” anh bình tĩnh trả lời. - Giống như họ không thể giết con mình vậy.
“Nhưng tôi yêu cầu,” cô bướng bỉnh lặp lại và đột nhiên cười lớn.
Vậy thì tôi yêu cầu bữa trưa,” Stiglitz lần lượt cười.
Cuộc gặp gỡ này trở thành sự khởi đầu của sự hợp tác, tình bạn, tình yêu, kéo dài cho đến khi người chủ qua đời. Chẳng bao lâu, vợ anh, Emmeline, phát hiện chồng mình khỏa thân chạy quanh Georgia với chiếc máy ảnh trên tay và không cần suy nghĩ kỹ, đuổi cả hai ra khỏi nhà. Chẳng bao lâu sau, cặp đôi chia tay; Mất đi người vợ không được yêu thương, Stiglitz cũng mất đi tài sản, từ đó chủ yếu tài trợ cho nhiều dự án của ông. Đầu năm 1917, ông buộc phải đóng cửa đứa con tinh thần yêu thích của mình, Gallery 291. Tất nhiên, anh còn lâu mới đi bố thí, nhưng không còn tiền để hỗ trợ các nghệ sĩ. “Và đúng như vậy,” Georgia nhận xét một cách đầy triết lý, “khi nghệ sĩ đói, họ viết hay hơn.”
Stieglitz và O'Keeffe hợp pháp hóa mối quan hệ của họ vào năm 1924. Họ chênh lệch tuổi tác lớn (24 tuổi) và điều này ngay lập tức ảnh hưởng đến mối quan hệ của họ. O'Keeffe phải lòng các học trò và bạn bè của Stieglitz: đầu tiên là với nhiếp ảnh gia trẻ tài năng Paul Strand, người kém cô ba tuổi, sau này trở thành Ansel Adams, nhiếp ảnh gia phong cảnh nổi tiếng nhất ở Mỹ vào thời điểm đó. Cô ấy đi và đến, sống như cô ấy muốn và với bất cứ ai cô ấy muốn, nhưng luôn quay lại. Một trong những cuộc phiêu lưu tai tiếng nhất của cô là ngoại tình với... vợ của Paul Strand vào cuối những năm 1920, nhân tiện, vài năm trước đó, chính là tình nhân của Stieglitz. Thật không dễ để hiểu tất cả những khúc mắc này - và nó có đáng không?
Nhưng một cuộc phiêu lưu nữa trong cuộc đời Stieglitz cũng đáng được nhắc đến: vào năm 1927, ông có một sinh viên 22 tuổi, người mẫu và người tình bán thời gian, Dorothy Norman, người sau này đã viết một cuốn sách về giáo viên của cô. Nhiếp ảnh gia không còn trẻ nữa đã lấy lại được niềm yêu thích với cả cuộc sống và nghệ thuật, anh lại không rời xa máy ảnh, không chỉ chụp thân hình tuyệt đẹp của người tình cuối cùng mà còn cả thành phố thân yêu của mình. Tất nhiên, anh ấy không còn chạy qua đường với máy ảnh nữa, anh ấy đang cố gắng chụp cảnh quan thành phố từ cửa sổ ngôi nhà hoặc studio của mình. Theo một số nhà nghiên cứu về tác phẩm của ông, New York của Stieglitz quá cố sáng sủa và biểu cảm hơn nhiều so với những tác phẩm đầu tiên của ông.
Georgia O'Keefe đã gặp rất nhiều khó khăn với cuộc chia ly, nhưng hóa ra cô ấy lại thông minh hơn người tiền nhiệm: cô ấy bỏ đi, đợi cho đến khi chồng mình “phát điên” và cuối cùng quay lại, nhưng “theo ý mình”. ”
Cuộc đời sáng tạo của Stieglitz trong những năm 1920-1930 có kết quả và khá thành công. Anh ấy chụp ảnh rất nhiều, những bức ảnh của anh ấy rất được yêu thích, chúng liên tục xuất hiện trên các trang sách và album ảnh, trên bìa tạp chí và tại các cuộc triển lãm. Chính Stieglitz đã trở thành nhiếp ảnh gia đầu tiên có tác phẩm được trao tặng danh hiệu bảo tàng.
Sau khi Phòng trưng bày 291 đóng cửa, Stieglitz gặp một số khó khăn nhất định trong việc quảng bá tác phẩm của mình cũng như các bức ảnh và tranh vẽ của các học trò và bạn bè của ông. Tháng 12 năm 1925, ông mở phòng trưng bày Intimate. Nói một cách nhẹ nhàng, nó có kích thước nhỏ - Stieglitz gọi nó là “Căn phòng” - nhưng trong suốt 4 năm tồn tại của phòng trưng bày, nó đã tổ chức hàng chục cuộc triển lãm rất nổi tiếng. Đầu năm 1930, ông mở phòng trưng bày mới An American Place và tiếp tục hoạt động cho đến khi ông qua đời.
Theo Encyclopedia Britannica, Stieglitz “gần như một mình đưa đất nước của mình bước vào thế giới nghệ thuật thế kỷ 20”. Và ông đã làm điều này một cách cứng rắn, xử lý nghiêm khắc những ai dám phản đối ông. Ông không nhượng bộ ngay cả đối với những món “yêu thích” của mình: chẳng hạn, ông lên án gay gắt Edward Steichen vì “phản bội nghệ thuật vì lợi ích thương mại”. Bản thân Stiglitz phải chịu đựng điều này nhiều hơn những người khác, nhưng anh không thể tự giúp mình. “Ông ấy không thể chấp nhận việc các học trò của mình đang dần rời bỏ ông ấy, rằng họ đang tìm con đường riêng cho mình, ông ấy luôn tin rằng họ đang phản bội ông ấy. Đây là vở kịch của cả cuộc đời anh. Anh ta là một người chủ khủng khiếp. Mà không nhận ra điều đó,” cháu gái của nhiếp ảnh gia, Sue Davidson Lowe, tác giả cuốn Stieglitz: A Memoir/Biography, viết. Ngay cả với những người bạn thân nhất của mình, anh ấy cũng tìm cách phá hỏng các mối quan hệ: “Ngày tôi bước vào Phòng trưng bày 291 là ngày tuyệt vời nhất trong cuộc đời tôi…” Paul Strand viết, “Nhưng ngày tôi bước ra khỏi An American Place” cũng giống như Tuyệt. Như thể tôi đã bước ra ngoài không khí trong lành, giải thoát mình khỏi mọi thứ đã trở thành, ít nhất đối với tôi, thứ yếu, vô đạo đức và vô nghĩa.”
Có lẽ, để trừng phạt thói quen độc tài của mình, số phận đã chuẩn bị cho Stieglitz một bất ngờ khó chịu - nhiếp ảnh gia, quen chỉ huy, đã trải qua những năm cuối đời hoàn toàn phụ thuộc vào vợ mình. Điều này xảy ra sau khi ông bị một cơn đau tim vào đầu năm 1938, kéo theo những cơn đau khác - mỗi cơn đều khiến con người vĩ đại này ngày càng suy yếu. Georgia đã không chậm chạp trong việc tự mình cầm cương: “Cô ấy thuê một căn hộ áp mái, sơn toàn bộ căn phòng màu trắng, không treo rèm trên cửa sổ và chỉ trang trí tường bằng các tác phẩm của mình,” Benita Eisler viết trong cuốn sách. cuốn sách “O" Keefe và Stieglitz: Một câu chuyện lãng mạn kiểu Mỹ" ("O" Keeffe và Stieglitz: Một câu chuyện lãng mạn kiểu Mỹ) - “Cô ấy đưa cho nhân viên hướng dẫn danh sách những vị khách được phép vào nhà và tên của một người phụ nữ nên không bao giờ được phép vào - Dorothy Norman. Stiglitz quá yếu để phản đối. Đầy giận dữ và cay đắng khi cô ra lệnh vào nhà, anh đã quỳ lạy khi cô rời đi. Về mặt tài chính, anh hoàn toàn phụ thuộc vào cô, điều đó khiến anh không thể chịu nổi. Kiến trúc sư Claude Bragdon cho biết mỗi khi ông gọi điện, Stieglitz luôn cô đơn và chán nản. Anh ấy đã muốn chết."
Khi Stiglitz lên cơn đau tim (cuối cùng) vào mùa hè năm 1946, Georgia đi vắng. Trở về, cô vội vã đến bệnh viện: anh vẫn còn sống, nhưng đã bất tỉnh; Dorothy Norman ngồi cạnh giường anh. Bất hạnh không đến với họ: Georgia đuổi tình địch trẻ tuổi của mình và dành những giờ phút cuối cùng bên chồng. Alfred Stieglitz qua đời vào ngày 13 tháng 7 năm 1946 mà không tỉnh lại. Theo di chúc của ông, thi thể của ông được hỏa táng và Georgia mang tro của ông đến Hồ George gần New York, nơi họ từng hưởng tuần trăng mật. Cô không nói cho ai biết về nơi an nghỉ cuối cùng của anh, chỉ giới hạn trong câu nói: “Tôi đặt anh ấy ở nơi anh ấy có thể nghe thấy tiếng hồ”.
Sau cái chết của Stieglitz, O'Keeffe đã dành vài năm để sắp xếp di sản của ông, sau đó bà đã chuyển gần như toàn bộ tác phẩm của nhiếp ảnh gia này (hơn 3 nghìn bức ảnh), cũng như thư từ của ông (hơn 50 nghìn bức thư) cho tờ báo lớn nhất nước Mỹ. bảo tàng và thư viện.
Trong bốn năm, bắt đầu từ năm 1893, Stieglitz đã cống hiến hết mình để tìm kiếm chính mình. Đầu tiên, ông trở thành tổng biên tập tạp chí Nhiếp ảnh gia nghiệp dư người Mỹ, một năm sau ông rời xưởng chụp ảnh, một năm sau - từ vị trí biên tập viên, sau đó ông thành lập một hiệp hội mới gồm các nhiếp ảnh gia New York, Câu lạc bộ Máy ảnh của New York "(Câu lạc bộ Máy ảnh của New York) và trở thành phó chủ tịch của nó, vào năm 1897, ông đảm nhận vị trí biên tập viên cho ấn phẩm của riêng mình, Camera Notes.
Năm 1902, Alfred Stieglitz thành lập phong trào tiên phong Photo-Secession. Ấn phẩm chính thức của nhóm trong 14 năm tiếp theo là tạp chí Camera Work, và vào năm 1905, tạp chí này đã có phòng trưng bày riêng, Phòng trưng bày nhỏ về sự ly khai ảnh, hay được gọi là Phòng trưng bày 291. Phòng trưng bày nhận được tên này do địa chỉ của nó: 291 Đại lộ số 5. Nó không chỉ trưng bày các bức ảnh mà còn trưng bày các bức tranh của các họa sĩ đương đại - Matisse, Renoir, Cezanne, Manet, Picasso, Braque, Rodin, O'Keeffe. Các cuộc triển lãm không phải lúc nào cũng thành công; một số cuộc triển lãm đã gây ra sự bất mãn ngay cả với những người đồng đội của Stieglitz trong Câu lạc bộ Máy ảnh, chưa kể đến những lời chỉ trích từ các nhà phê bình. Năm 1911, việc triển lãm và bán tranh của Picasso thất bại. Trong số hàng trăm tác phẩm, chỉ có một bức vẽ được bán ra, bức thứ hai được chính Stieglitz mua lại.
Năm 1916, Stieglitz trưng bày các tác phẩm của nghệ sĩ trẻ Georgia O'Keeffe trong phòng trưng bày của mình mà không hề xin phép cô. Biết được điều này, Georgia yêu cầu gỡ bỏ các bức tranh của cô, nhưng Stieglitz từ chối. Cuộc gặp gỡ này đánh dấu sự khởi đầu của sự hợp tác, tình bạn và tình yêu kéo dài nhiều năm.
Chẳng bao lâu, vợ của Stieglitz, người có tài sản chủ yếu cho nhiều dự án sáng tạo của ông, đã bắt gặp chồng mình đang quay phim Georgia khỏa thân và đuổi cả hai ra khỏi nhà. Sau một thời gian, cặp đôi cuối cùng cũng ly thân và vào năm 1924, Stiglitz và O'Keeffe hợp pháp hóa mối quan hệ của họ. Tuy nhiên, bài ca không kéo dài.
Georgia yêu tự do đã hơn một lần yêu các học trò của Stieglitz, bỏ đi, sống theo ý mình nhưng luôn quay lại. Tuy nhiên, bản thân Stieglitz không phải là không thể sai lầm: ông có nhân tình, một trong số đó là vợ của sinh viên ông yêu thích Paul Strand. Nhưng điều khó khăn nhất đối với Georgia là mối quan hệ của chồng cô với sinh viên kiêm người mẫu 22 tuổi Dorothy Norman. Năm 1929, O’Keeffe rời Stieglitz và chuyển đến New Mexico, nơi bà cố gắng “tái xuất từ đống tro tàn” thông qua sự sáng tạo. Và cô đã thành công - chính nhờ công lao của thời kỳ đó mà cô đã nhận được sự công nhận trên toàn thế giới sau cái chết của Stieglitz.
Vào mùa hè năm 1946, Stiglitz bị một cơn đau tim khác. Ông qua đời mà không tỉnh lại vào ngày 13 tháng 7 năm 1946.
Yu Golovtsova. Bài viết được biên soạn dựa trên tài liệu từ http://re-actor.net/
Tác phẩm nhiếp ảnh
Alfred Stieglitz sinh năm 1864 tại Hoboken, New Jersey. Ông là con trai đầu lòng của người nhập cư Đức-Do Thái Edward Stieglitz và vợ ông là Hedwig Ann Werner. Cha anh lúc đó là trung úy trong quân đội đồng minh, nhưng sau đó ông rời quân đội và tham gia chặt chẽ vào việc nuôi dạy Alfred, muốn coi anh là một người có học thức. Sau đó, năm đứa trẻ nữa xuất hiện trong gia đình.
Năm 1871, chàng trai trẻ Alfred được gửi đến Học viện Charlier, trường tư thục tốt nhất ở New York vào thời điểm đó.
Năm 1881, Edward Stiglitz bán công ty của mình và cả gia đình chuyển đến sống ở châu Âu trong vài năm. Từ năm 1882, Alfred học tại Trường Trung học Kỹ thuật Berlin (Technische Hochschule), và đó là lúc anh thực sự quan tâm đến nhiếp ảnh.
Năm 1884, cha mẹ ông trở lại Mỹ nhưng Alfred vẫn ở Đức cho đến cuối thập kỷ. Vào thời điểm đó, Stieglitz bắt đầu xây dựng thư viện của riêng mình - sau này bộ sưu tập sách về nhiếp ảnh của ông sẽ trở thành bộ sưu tập sách hay nhất ở Châu Âu và Hoa Kỳ. Anh ấy đọc rất nhiều và đó là lúc anh ấy hình thành những quan điểm ban đầu của mình về nhiếp ảnh và thẩm mỹ.
Năm 1887, ông viết những bài báo đầu tiên, bao gồm "Một vài lời về Nhiếp ảnh nghiệp dư ở Đức" cho tạp chí mới của Anh "Nhiếp ảnh gia nghiệp dư". Stieglitz sớm bắt đầu viết thường xuyên về các khía cạnh kỹ thuật và thẩm mỹ của nhiếp ảnh cho các tạp chí tiếng Đức và tiếng Anh.
Cùng năm đó, anh đã gửi một số bức ảnh của chính mình tham gia cuộc thi Nhiếp ảnh gia nghiệp dư và tác phẩm của anh mang tên "The Last Joke, Bellagio" đã giành được vị trí số 1.
Sau đó, ông giành được thêm một số giải thưởng trong cùng một ấn phẩm, và từ đó, tên tuổi của nhiếp ảnh gia Stieglitz bắt đầu trở nên nổi tiếng ở châu Âu, và các tác phẩm của ông bắt đầu xuất hiện trên các trang của các ấn phẩm khác.
Bất chấp thành công rõ ràng ở châu Âu, Stieglitz trở lại Mỹ vào năm 1890. Anh trở về một cách rất miễn cưỡng, nhưng cha anh đe dọa sẽ ngừng trả tiền sinh hoạt cho anh nếu anh không muốn ở bên gia đình. Nhân tiện, ngay trước đó, một bi kịch đã xảy ra trong gia đình - em gái của Alfred là Flora đã chết khi sinh con.
Tốt nhất trong ngày
Nhìn chung, Alfred, lúc đó mới hơn 25 tuổi, coi nhiếp ảnh Mỹ là thiếu sót, bởi vì những bức ảnh ở Mỹ chỉ được coi là sự phản ánh cuộc sống thực, trong khi Stieglitz từ lâu đã hiểu rằng nhiếp ảnh trước hết là một nghệ thuật. “Nhiếp ảnh theo tôi hiểu hầu như không tồn tại ở Hoa Kỳ,” sau này ông viết.
Tuy nhiên, thời gian đã cho thấy, việc anh đến Hoa Kỳ hóa ra lại là một bước đột phá thực sự - chàng trai trẻ Stieglitz gần như đã một tay thu hút sự quan tâm của đất nước đến nhiếp ảnh “mới”, từ đó mở ra thế giới nghệ thuật nhiếp ảnh cho nước Mỹ.
Những bức ảnh của ông còn hơn cả sáng tạo vào thời điểm đó. Stieglitz không tạo ra các báo cáo về những bức ảnh của mình, ông chỉ đơn giản vượt xa những gì được coi là nhiếp ảnh ở Mỹ trước ông. Anh ta lang thang trên đường, chụp những bức ảnh có chi tiết mà anh ta thấy thú vị, in chúng ra và... tiếp tục không thể hiểu nổi.
Điều đáng chú ý là Stieglitz chưa bao giờ phóng to những bức ảnh của mình, chưa bao giờ chỉnh sửa và không thừa nhận bất kỳ thủ thuật chuyên nghiệp nào để tô điểm hiện thực.
Anh sớm gia nhập cộng đồng nhiếp ảnh và trở thành biên tập viên của tạp chí Nhiếp ảnh gia nghiệp dư người Mỹ. Chính Stieglitz đã trở thành người sáng lập hội Photo-Secession vào năm 1902.
Năm 1905, ông mở một phòng trưng bày nhỏ ở tòa nhà 291 Đại lộ số 5 ở New York. Các tác phẩm của Stieglitz, cũng như các nhiếp ảnh gia New York khác, được trưng bày trong phòng trưng bày cùng với các tác phẩm của Matisse, Hartley, Weber, Rousseau, Renoir, Cézanne, Manet, Picasso, cũng như các bức tranh in của Nhật Bản và tranh chạm khắc gỗ châu Phi. Tuy nhiên, việc làm quen của công chúng Mỹ với những bậc thầy được công nhận là rất khó khăn; vì vậy, chẳng hạn, Stieglitz đã phải trả lại toàn bộ tác phẩm của Picasso, vì cuộc triển lãm của họa sĩ này đã thất bại thảm hại - những tác phẩm nghệ thuật “như vậy” không thể được người Mỹ chấp nhận.
Qua nhiều năm làm việc, Stieglitz đã sưu tập được một số lượng lớn ảnh về nhiều chủ đề khác nhau. Một vị trí đặc biệt trong bộ sưu tập của Alfred là những bức ảnh của vợ ông, nghệ sĩ Georgia O'Keeffe. Nhân tiện, cuộc hôn nhân này không phải là cuộc hôn nhân đầu tiên của ông - ông đã ly thân với người vợ đầu tiên, Emmeline Obermeyer, chính vì Georgia, người vẫn là bạn của ông, vợ và đồng nghiệp cho đến khi bà qua đời.
Năm 1938, Alfred bị một cơn đau tim nghiêm trọng và từ lúc đó sức khỏe của ông chỉ trở nên tồi tệ hơn. Alfred Stieglitz mất ngày 13 tháng 7 năm 1946; Theo nguyện vọng của anh, chỉ có một số bạn bè thân thiết và người thân trong gia đình đến dự đám tang của anh.
Được biết, Stieglitz dù đã trở thành bậc thầy nhiếp ảnh được công nhận nhưng rất hiếm khi bán được tác phẩm của mình. Bộ sưu tập của ông vào thời điểm ông qua đời năm 1946 có khoảng 1.300 bức ảnh mà Georgia O'Keeffe sau này đã tặng cho các bảo tàng Mỹ.
Ngày nay, không thể đánh giá thấp tầm ảnh hưởng của Alfred Stieglitz đối với nghệ thuật nhiếp ảnh ở Hoa Kỳ, cũng như đối với toàn bộ đời sống văn hóa nói chung. Vì vậy, trong suốt cuộc đời của mình, ông đã kiên trì và nhất quán tìm kiếm sự công nhận nhiếp ảnh như một nghệ thuật, đồng thời đảm nhận sứ mệnh vô cùng khó khăn là giáo dục giới tinh hoa nghệ thuật ở Mỹ.
Nhiếp ảnh gia cho biết: “Trong nhiếp ảnh, hiện thực tinh tế đến mức nó trở nên chân thực hơn cả thực tế.
Cuộc sống giống như một cuộc hành trình kỳ thú.
Dự án PhotoTour
Tôi muốn bạn chú ý đến quan niệm sai lầm phổ biến nhất về nhiếp ảnh - thuật ngữ “chuyên nghiệp” được sử dụng cho những bức ảnh thường được coi là thành công, thuật ngữ “nghiệp dư” được sử dụng cho những bức ảnh không thành công. Nhưng hầu như tất cả những bức ảnh đẹp đều được tạo ra - và luôn được chụp - bởi những người theo đuổi nhiếp ảnh vì tình yêu - và chắc chắn không phải vì lợi nhuận. Thuật ngữ “người yêu” hàm ý một người làm việc nhân danh tình yêu, do đó, sai lầm của cách phân loại được chấp nhận rộng rãi là hiển nhiên.
Alfred Stieglitz: Nhiếp ảnh nhân danh Tình yêu.
Làm một nhà tiên tri ở thời đại của bạn, thời đại của bạn, ở đất nước của bạn có dễ dàng không? Làm người tiên phong có dễ không? Còn người tiên phong thì sao? Có dễ dàng bước đi trên một con đường chưa được khám phá, mở đường cho chính bạn trong những điều chưa biết, dù hướng tới một mục tiêu cao cả nhưng khá viển vông, được chỉ định cho chính bạn? Hơn nữa, không phải đi một mình mà lãnh đạo không chỉ một nhóm người nào mà là cả một đất nước? Tuy nhiên, (quốc gia đó) thậm chí còn không hiểu họ lấy nó ở đâu và tại sao. Và nếu anh ta không thực sự kháng cự, anh ta cũng không thể hiện sự giúp đỡ nhiều.
Và tại sao một người lại tự mình gánh vác những nghĩa vụ như vậy? Anh ta phải chứng minh với ai và điều gì khi anh ta không nợ ai cả?
Suy cho cùng, không ai bắt buộc Alfred Stieglitz phải kiên trì và nhất quán chứng minh bằng cả cuộc đời và tác phẩm của mình rằng nhiếp ảnh là một nghệ thuật, càng không thuyết phục được các nhà phê bình nhìn nhận nhiếp ảnh ngang hàng với hội họa. Không ai bắt anh phải nhận hàng trăm giải thưởng nhiếp ảnh và chụp hàng nghìn bức ảnh rực rỡ, đứng hàng giờ dưới giá lạnh và tuyết rơi để chờ một bức ảnh thành công. Không ai ủy quyền cho ông dạy nước Mỹ yêu, hiểu và đánh giá cao nghệ thuật tiên phong của châu Âu. Không ai đảm bảo sự thành công và thịnh vượng tài chính cho các dự án xuất bản và chèn của ông, mục đích của nó là quảng bá nghệ thuật nhiếp ảnh. Không ai giao cho anh nhiệm vụ nuôi dưỡng cả một thiên hà “tín đồ” - những nhiếp ảnh gia trẻ tài năng, những người sau này đã chiếm được vị trí xứng đáng trong lịch sử nhiếp ảnh thế giới. Không ai! Tuy nhiên, anh ấy đã làm được! Cuộc đấu tranh đầy nhiệt huyết của Stieglitz để được công nhận nhiếp ảnh như một loại hình nghệ thuật cuối cùng đã giành được chiến thắng vô điều kiện. Dưới thời ông, những bức ảnh bắt đầu xuất hiện trong Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại. Dưới thời ông, nhiếp ảnh lần đầu tiên trở nên đắt đỏ...
Nhiếp ảnh gia, nhà văn, nhà xuất bản, nhà trưng bày và giám tuyển tài năng, Alfred Stieglitz đã tự mình đặt ra các mục tiêu và nhiệm vụ cho mình và hướng tới chúng, vượt qua khó khăn, hiểu lầm, vấn đề tài chính và đôi khi thậm chí là sự đào tẩu của các học trò của mình, mà bậc thầy coi là sự phản bội. Đó là lý do tại sao anh ấy đã làm được rất nhiều điều trong thời gian dài nhưng đồng thời lại có một cuộc đời ngắn ngủi như vậy. Ông chỉ sống được 82 năm, nhưng những thành tựu và chiến thắng trong một đời ông đã là đủ cho nhiều người. Khó có thể đánh giá quá cao ảnh hưởng của Alfred Stieglitz đối với đời sống văn hóa của nước Mỹ và thậm chí cả thế giới. Nó rất lớn và bao gồm tất cả. Ngay cả khi ông không chụp một bức ảnh nào trong suốt cuộc đời, tên tuổi của ông vẫn mãi mãi đi vào lịch sử nhiếp ảnh - với tư cách là người khởi xướng việc thành lập nhóm các nhiếp ảnh gia có cùng chí hướng “Photo-Secession”; biên tập viên tạp chí Camera Work; người sáng lập một số phòng trưng bày nghệ thuật. Tuy nhiên, ngoài tất cả những thành tích khác, chính Stieglitz đã trở thành một trong những nhiếp ảnh gia đầu tiên có tác phẩm được trao tặng danh hiệu di tích bảo tàng và bắt đầu được trưng bày cùng với các bức tranh của các họa sĩ nổi tiếng.
Alfred Stieglitz là một người có tầm nhìn xa trông rộng, một mặt đi trước thời đại và mặt khác là một nhà thám hiểm chuyên quyền. Một nhân cách huyền thoại, một trong những bậc thầy vĩ đại nhất của nghệ thuật hội họa và là một nhà lãnh đạo độc đoán, không chấp nhận sự phản đối hoặc không phục tùng. Không chỉ học trò và những người phụ nữ yêu quý rời bỏ ông, bạn bè và những người ngưỡng mộ tài năng của ông cũng quay lưng lại với ông. Nhưng sớm hay muộn họ cũng quay lại với anh. Họ quay lại ở lại mãi mãi.
Từ tính và sức thu hút của anh ấy, mong muốn chân thành của anh ấy để hiểu bản chất của nhiếp ảnh và mang lại cho nó sức sống mới và một hướng đi mới không thể không làm say đắm và kích thích những người gần gũi với anh ấy và chia sẻ quan điểm, động lực và khát vọng của anh ấy. Vậy làm thế nào những người cùng thời với ông biết đến Bậc thầy vĩ đại và chúng ta sẽ nhớ đến Stieglitz như thế nào? Và có lẽ chúng ta hãy bắt đầu ngay từ đầu. Kể từ khi anh sinh ra. Xét cho cùng, môi trường, gia đình và bạn bè luôn đóng một vai trò lớn trong cuộc đời của nhiếp ảnh gia. Gia đình có ảnh hưởng lớn đến Alfred, không chỉ khi còn nhỏ mà cả khi trưởng thành. Và ảnh hưởng này đã có những điều chỉnh riêng, đôi khi không trùng khớp với mong muốn và cảm xúc của chính Stieglitz.
Vì vậy, hãy bắt đầu với thực tế là vào ngày 1 tháng 1 năm 1864, Alfred Stiglitz sinh ra ở thành phố Hoboken, New Jersey, trong một gia đình Do Thái giàu có di cư từ Đức. Anh lớn lên là một cậu bé thông minh, ham học hỏi. Và một trong những thú tiêu khiển của anh lúc đó là những chuyến thăm ngắn ngày đến một studio ảnh địa phương. Anh ấy thích xem nhiếp ảnh gia làm việc. Tôi thích thú theo dõi những điều kỳ diệu xảy ra trong phòng thí nghiệm. Và một ngày nọ, nhận thấy cách nhiếp ảnh gia chỉnh sửa âm bản, anh ta hỏi người chủ rằng anh ta làm việc này nhằm mục đích gì. Và câu trả lời làm Alfred ngạc nhiên. Hóa ra tất cả các thao tác mà nhiếp ảnh gia thực hiện đều nhằm mục đích mang lại cho bức ảnh một hình ảnh tự nhiên hơn. Với lối phân loại trẻ con, cậu bé trả lời rằng cậu sẽ không làm điều đó nếu cậu là một nhiếp ảnh gia. Khi đó Alfred Stieglitz có biết, liệu ông có thể đoán trước rằng những lời nói này của ông sẽ trở thành lời tiên tri cho sự nghiệp nhiếp ảnh sau này của ông? Rất có thể là không. Và anh không thể biết được, khi đó chỉ là một đứa trẻ mười một tuổi, nhiếp ảnh đã đi sâu vào cuộc đời anh và trở thành ý nghĩa của nó. Anh ấy thậm chí còn không biết về nó. Tuy nhiên, dù có thể như vậy, ở tuổi trưởng thành, anh ấy chưa bao giờ chỉnh sửa lại những bức ảnh âm bản của mình.
Cha mẹ của Alfred, đến từ Châu Âu cổ, với truyền thống giáo dục hàng thế kỷ, mong muốn và có thể cho con mình một nền giáo dục tốt nhất của Châu Âu. Và không chỉ Alfred được trao cơ hội học tập tại trường tư thục tốt nhất New York (The Charlier Institute). Người cha, một trung úy trong quân đội Mỹ, có đủ khả năng để cung cấp một nền giáo dục xuất sắc cho 5 người con trai và con gái khác của mình. Tuy nhiên, theo cha mẹ anh, châu Âu là nơi tốt nhất để Stieglitz Jr. được học hành. Và chính vì mục đích này mà vào năm 1881, gia đình, dù chưa trọn vẹn, đã trở về Đức. Người cha dẫn theo vợ và một trong những cô con gái của mình đi du lịch châu Âu.
Và cùng năm đó, Alfred mười bảy tuổi, theo sự nài nỉ của cha mình, đã vào Trường Kỹ thuật Cao cấp Berlin tại Khoa Cơ khí. Nhưng chuyên ngành kỹ thuật không mang lại sự hài lòng cho một sinh viên trẻ. Và bằng cách nào đó Alfred đã mơ hồ tưởng tượng ra tương lai kỹ thuật của mình. Nhận được sự tự do không giới hạn và độc lập về tài chính theo ý mình, Alfred lang thang khắp thành phố trong một thời gian dài, giao tiếp với giới thượng lưu trí thức của Berlin và phát triển gu nghệ thuật của mình.
Chính lúc này, chàng trai trẻ đã phát hiện ra một số thiên hướng nghệ thuật trong mình. Ông tích cực làm quen với hội họa và văn học tiến bộ thời bấy giờ, đồng thời gặp gỡ các nghệ sĩ và nhà văn tiên phong. Chính tại đây, thủ đô của nước Đức, Stieglitz Jr. đã làm quen với các nghệ sĩ người Đức Adolf von Menzel và Wilhelm Hasemann. Trong một lần đi dạo quanh Berlin theo truyền thống, anh nhận thấy một chiếc camera ở cửa sổ cửa hàng. Và tôi không thể cưỡng lại mong muốn mua nó. Người ta có thể nói đây là sự kiện có ý nghĩa lịch sử xảy ra vào năm 1883. Như chính nhiếp ảnh gia sau này đã nhớ lại về cuộc mua bán mang tính bước ngoặt này: “Tôi đã mua nó, mang nó về phòng và thực tế chưa bao giờ chia tay nó kể từ đó. Cô ấy mê hoặc tôi, ban đầu đó là sở thích của tôi, sau đó trở thành niềm đam mê”. Và quả thực, một khi đã cầm máy ảnh lên, anh ấy không bao giờ rời bỏ nó.
Tại đây, tại Berlin, Alfred Stieglitz bắt đầu hành trình đến với Nhiếp ảnh lớn. Vậy là kỷ nguyên của Stieglitz vĩ đại đã bắt đầu! Anh ấy học một số bài học riêng từ giáo sư quang hóa Hermann William Vogel. Tuy nhiên, người thầy chính của anh ấy lại trở thành thế giới xung quanh anh ấy, với những con người, đồ vật, những câu chuyện sống động và những khả năng tiềm ẩn như nhau. Khi rảnh rỗi, Stiglitz lang thang trên đường với “chiếc máy ảnh thám tử” của mình. Khi chụp ảnh phóng sự, anh không bao giờ phóng to, chỉnh sửa hay thực hiện bất kỳ thủ thuật chụp ảnh nào. Đó là thời của những bức ảnh tình cảm, thể loại, bố cục và “có tính nghệ thuật cao”.
Lấy chiếc máy ảnh làm bạn đồng hành, chàng trai trẻ lên đường đi du lịch vòng quanh châu Âu. Có lẽ, cơ hội được đi du lịch và giao lưu với những nghệ sĩ tiên phong sẽ trở thành ngôi trường dạy nhiếp ảnh tốt nhất cho bậc thầy vĩ đại trong tương lai. Anh ấy bị thu hút bởi mọi thứ anh ấy nhìn thấy, mọi thứ anh ấy có thể cảm nhận, mọi thứ có thể cải thiện kỹ năng của anh ấy. Anh chụp ảnh phong cảnh đô thị và thiên nhiên, nông dân và ngư dân. Anh ấy liên tục thử nghiệm, kiểm tra khả năng kỹ thuật của máy ảnh, tự mình tìm hiểu những gì “có thể về mặt kỹ thuật”.
Ngay cả khi bắt đầu cuộc hành trình dài của mình, anh ấy vẫn đặt ra cho mình những mục tiêu khó giải thích, cần thiết và dễ hiểu đối với một mình anh ấy, tuy nhiên, anh ấy vẫn kiên trì đạt được. Vì vậy, một ngày nọ, anh ấy chụp được bức ảnh một chiếc ô tô đang đứng trong một tầng hầm tối, nơi ánh sáng rất mờ của một bóng đèn duy nhất chiếu vào. Cuộc triển lãm kéo dài 24 giờ! Và bây giờ bạn sẽ không hiểu hồi đó ai cần phơi sáng nhiều hơn: máy ảnh hay chính nhiếp ảnh gia. Nhưng cả hai đều đã vượt qua bài kiểm tra.
Năm 1887, Alfred Stieglitz được trao giải nhất tại một cuộc thi nhiếp ảnh nghiệp dư tổ chức ở London. Từ bàn tay của chính Peter Henry Emerson, tác giả của cuốn sách nổi tiếng Nhiếp ảnh Tự nhiên, dành cho Sinh viên Nghệ thuật, ông đã nhận được huy chương bạc và hai đồng guineas. Cùng năm đó, 1887, nhiếp ảnh gia trẻ tuổi này đã viết một trong những bài báo đầu tiên về nhiếp ảnh, “Một vài lời về nhiếp ảnh nghiệp dư ở Đức” cho tạp chí “Nhiếp ảnh gia nghiệp dư” của Anh, và trong cùng thời gian đó, anh bắt đầu sưu tập ảnh. .
Đã lâu rồi Alfred không muốn quay lại Mỹ. Cuối cùng đã quyết định kết nối cuộc sống của mình với nhiếp ảnh, anh ấy thích ở lại Châu Âu hơn. Ông chân thành coi nền văn hóa nhiếp ảnh của Mỹ tồn tại vào thời điểm đó là thiếu sót. Những bức ảnh chụp bằng máy ảnh khi đó chỉ được coi là một phương tiện kỹ thuật để hiển thị hiện thực ở Mỹ. Bản thân Stiglitz, người đã từng chứng kiến và học hỏi nhiều điều ở châu Âu, lại có quan điểm khác. Ngay cả khi đó anh ấy vẫn sẵn sàng coi nhiếp ảnh là một hướng nghệ thuật mới. Sau này, trong một bài báo của mình, ông đã lưu ý: “Nhiếp ảnh, theo tôi hiểu, hầu như không tồn tại ở Hoa Kỳ.” Ngay cả những bức ảnh đầu tiên, ngây thơ và đơn giản nhất của ông, được chụp ở Đức, cũng là một sự đổi mới hoàn toàn đối với nước Mỹ. Alfred đã nhận được hàng tá giải thưởng cho những bức ảnh châu Âu của mình, những bức ảnh này anh ấy đã bỏ vào hộp đựng giày.
Nhưng cha anh nhất quyết yêu cầu anh trở lại Mỹ. Và lúc đầu, Stiglitz ngoan cố chống lại quyết định dứt khoát này. Tuy nhiên, theo thời gian, ý muốn của cha mẹ sẽ chiếm ưu thế. Tin rằng nơi mình sinh ra “không có văn hóa”, chàng trai trẻ tìm ra một giải pháp thực sự xuất sắc trong sự đơn giản của nó: anh mang theo văn hóa châu Âu!
Khi trở lại New York vào năm 1890, Stieglitz 26 tuổi đã trở thành đối tác của Công ty khắc Photochrome. New York là thành phố đầu tiên có ảnh hưởng mạnh mẽ như vậy đối với nhiếp ảnh gia. Sau này, trong các tác phẩm nhiếp ảnh của mình, Alfred đã bày tỏ thái độ giàu hình ảnh đầy chất thơ của mình đối với sự kích thích chiêm nghiệm thú vị này. Đây không phải là một phóng sự ảnh mà anh ấy tạo ra bằng máy ảnh của mình, mặc dù tác phẩm của anh ấy nổi bật bởi tính trung thực đặc biệt. Con mắt tinh tường và kỹ thuật vô song của anh ấy đã cho phép anh ấy vượt xa những câu chuyện hạn chế về nhiếp ảnh về các sự kiện.
Tại đây, ở Mỹ, một lần nữa, không phải không có sự can thiệp của cha mẹ, ở tuổi 29, Alfred kết hôn với Emmy Obermeier. Cô gái hóa ra trẻ hơn Alfred 9 tuổi. Nhưng không chỉ chênh lệch tuổi tác còn trở thành rào cản không thể vượt qua đối với sự hiểu biết lẫn nhau của họ. Sự khác biệt về quan điểm và thái độ đối với môi trường cũng rất đáng chú ý giữa họ. Hóa ra, họ hoàn toàn trái ngược nhau về thế giới quan. Và bất chấp việc Emmy đã trao cho Stieglitz cô con gái yêu quý Katerina (Kitty), nhiếp ảnh gia này đã hơn một lần thừa nhận rằng anh chưa bao giờ thực sự yêu vợ mình. Richard Whelan, người viết tiểu sử của Stieglitz, giải thích điều này bằng cách nói rằng Alfred "thất vọng vì vợ không trở thành song sinh của mình." Việc Emmy giàu hơn chồng rất nhiều đã góp phần khiến hiểu lầm ngày càng gia tăng trong gia đình trẻ.
Làm việc trong xưởng chụp ảnh không ngăn cản Stieglitz chụp ảnh. Niềm đam mê chính của anh vẫn là nhiếp ảnh. Năm 1892, Stieglitz có được một “người đồng đội” mới: chiếc máy ảnh compact Folmer và Schwing 4x5. Không giống những chiếc khác, chiếc máy ảnh này rất tiện lợi, bạn có thể mang theo nó trong thời gian dài mà không gặp nhiều khó khăn. Phần lớn nhờ vào tính di động của thương vụ mua lại mới, một trong những bức ảnh nổi tiếng nhất của Alfred Stieglitz “Mùa đông, Đại lộ số 5” và “Nhà ga” đã có thể nhìn thấy ánh sáng ban ngày. Đôi khi một nhiếp ảnh gia có thể đợi vài giờ để có được bức ảnh thành công. Đó là những gì anh ấy đã sử dụng. Và anh ấy vẫn dành nhiều thời gian để phát triển kỹ năng của mình. Vì vậy, “người được chọn” đã đáp lại anh không kém phần “có đi có lại”. Thế kỷ 20 vẫn chưa bắt đầu nhưng Stieglitz đã được công nhận. Danh tiếng đến với người sáng tạo như một lẽ đương nhiên. Theo đúng nghĩa đen, anh ấy đã nhận được rất nhiều lời khen ngợi và giải thưởng đầy ngưỡng mộ.
Và không chỉ ở Mỹ. Các tác phẩm của ông được đánh giá cao ở châu Âu. Bằng chứng cho điều này là hơn 150 giải thưởng, giải thưởng và huy chương danh giá mà anh đã nhận được tại các cuộc thi và triển lãm khác nhau ở quê hương và vượt xa biên giới. Không thể nghi ngờ gì nữa, tài năng của nhiếp ảnh gia, cùng với khả năng trình diễn đáng kinh ngạc của anh ấy, chính là nguyên nhân dẫn đến thành công phi thường của anh ấy. Nhưng điều quan trọng nhất đối với Stieglitz là ảnh hưởng của ông trong thế giới nghệ thuật. Những gì Stieglitz, một trí thức thông minh và một người am hiểu sâu sắc, bắt đầu làm ở New York không còn là những khám phá ngẫu nhiên và định kỳ nữa mà là một hướng đi hoàn toàn mới trong nhiếp ảnh. Bắt đầu hoạt động như một nhà cách mạng và nhà cải cách, Stieglitz, một người có bản chất cầu toàn, trau dồi kỹ năng nhiếp ảnh gia của mình một cách có phương pháp. Người chủ quan tâm đến từng chi tiết trong bức ảnh và cách nó được chụp. Mặc dù Alfred Stieglitz không thích những chi tiết không cần thiết trong khung hình. Ngoài ra, anh vẫn coi thường việc chỉnh sửa ảnh. Vì vậy, người sáng tạo thường xuyên đi làm khi thời tiết xấu. Khi tuyết rơi, mưa tầm tã, sương mù dày đặc - những đường nét trở nên mềm mại, những chi tiết dư thừa tan biến...
Ông tiết lộ cho các học trò của mình công thức thành công chỉ trong vài từ: “Các bạn nên chọn một địa điểm rồi nghiên cứu kỹ đường nét và ánh sáng,” Stieglitz dạy, “Sau đó quan sát các hình vẽ lướt qua và chờ đợi thời điểm mọi thứ cân bằng, nghĩa là khi mắt bạn. Điều này thường có nghĩa là phải chờ hàng giờ. Bức ảnh “Đại lộ số 5 vào mùa đông” của tôi là kết quả của việc tôi đứng dưới cơn bão tuyết suốt ba tiếng đồng hồ vào ngày 22 tháng 2 năm 1893 để chờ đợi thời điểm thích hợp.” Một lần khác, anh ấy nói chi tiết hơn về bức ảnh này: “Tầm nhìn của con phố trông rất hứa hẹn… Nhưng không có cốt truyện, không có kịch tính. Ba giờ sau, một con ngựa kéo xuất hiện trên đường, băng qua cơn bão tuyết và lao thẳng vào tôi. Người đánh xe quất ngựa vào hai bên. Đây chính là điều tôi đã chờ đợi." Thường quay lại tìm kiếm một cảnh quay xuất sắc cho cùng một đối tượng hoặc cốt truyện trong nhiều tuần, thậm chí nhiều tháng, anh ấy kiên nhẫn chờ đợi, đôi khi thậm chí không hiểu chính xác là gì.
Một ngày nọ, cha anh chứng kiến những thử thách tương tự của con, không thể chịu đựng được và với sự ngây thơ của một giáo dân, đã hỏi tại sao con trai ông vẫn thuê cùng một tòa nhà. Alfred trả lời: “Tôi đang đợi khoảnh khắc nó di chuyển về phía tôi. Ông nói, đây không phải là một tòa nhà mà là hình ảnh của nước Mỹ. Và tôi muốn bắt nó."
Đồng thời, anh ấy không bao giờ lao vào tìm kiếm thiên nhiên kỳ lạ nào đó mà thích “khám phá những gì đã được khám phá”. “Tôi tìm thấy các đối tượng cách cửa nhà tôi sáu mươi thước,” sau này anh ấy nói về công việc của mình.
Tuy nhiên, bất chấp sự công nhận trên toàn thế giới về khả năng sáng tạo và kỹ năng của anh, cũng như sự ngưỡng mộ thực sự đối với tác phẩm của anh, nhiếp ảnh gia này vẫn phải nhiều lần phải đối mặt với thái độ coi thường anh với tư cách là một nghệ sĩ ảnh và đối với nhiếp ảnh nói chung, như một môn nghệ thuật của giới tinh hoa nghệ thuật. Ông bộc lộ sự cay đắng, phẫn nộ và thất vọng trước sự thiển cận của những người đảm nhận chức năng văn hóa, giáo dục bằng những lời phản đối: “Những nghệ sĩ mà tôi cho xem những bức ảnh đầu tiên của tôi nói rằng họ ghen tị với tôi; rằng ảnh của tôi đẹp hơn tranh của họ, nhưng thật không may, nhiếp ảnh không phải là nghệ thuật. Tôi không thể hiểu làm sao người ta có thể đồng thời ngưỡng mộ một tác phẩm và từ chối nó vì cho rằng nó không được làm bằng tay, làm sao người ta có thể xếp hạng tác phẩm của mình cao hơn chỉ vì nó được làm bằng tay.” Và Alfred Stieglitz có lẽ đã không phải là Alfred Stieglitz nếu ông không đặt cho mình một mục tiêu mới hoành tráng và khó đạt được, mà cũng giống như những bức ảnh rực rỡ của ông, ông chưa nhìn thấy nhưng đã cảm nhận và chưa nhận thức đầy đủ: “Vậy thì tôi bắt đầu đấu tranh... để công nhận nhiếp ảnh như một phương tiện thể hiện bản thân mới, để nó có quyền bình đẳng với bất kỳ hình thức sáng tạo nghệ thuật nào khác.” Và mục tiêu này đã trở thành ngôi sao dẫn đường cho anh đi suốt cuộc đời, không để anh đi chệch khỏi con đường mình đã từng chọn.
Năm 1893, nhiếp ảnh gia trở thành biên tập viên của tạp chí Nhiếp ảnh gia nghiệp dư người Mỹ. Nhưng không phải tất cả đồng nghiệp và cấp dưới mới đều thích phong cách quản lý độc đoán của ông. Ngày càng có sự hiểu lầm giữa các nhiếp ảnh gia về yêu cầu của Stieglitz và cách tiếp cận quá trình sáng tạo của ông. Những hiểu lầm phát triển thành vấn đề buộc Alfred phải rời ghế biên tập vào năm 1896. Nhưng bậc thầy không tuyệt vọng và nhận một ấn phẩm ít được biết đến có tên “Ghi chú máy ảnh” dưới sự bảo vệ của mình. Tạp chí này được xuất bản dưới sự bảo trợ của cộng đồng nhiếp ảnh gia nghiệp dư “Câu lạc bộ Máy ảnh New York”. Alfred có cơ hội tuyệt vời để quảng bá công việc của mình và công việc của bạn bè. Và tạp chí cũng trở thành nền tảng để phổ biến những ý tưởng tiến bộ của ông. Cùng năm đó, tạp chí này đã xuất bản tuyển tập đầu tiên các tác phẩm ở New York của ông, “Những góc đẹp như tranh vẽ của New York”. Nhưng cả các nhiếp ảnh gia và hầu hết những người viết văn bản đều không nhận được tiền cho công việc của họ. Sự độc lập về tài chính nào đó của Stiglitz cho phép ông đôi khi tự bỏ tiền túi ra để hỗ trợ tạp chí, nhưng bất chấp tất cả các biện pháp này và khoản tiết kiệm cực lớn, tạp chí vẫn không có lãi.
Đồng thời với việc xây dựng và hoàn thiện tạp chí Camera Notes, một sự kiện mang tính thời đại khác đã diễn ra trong cuộc đời người nhiếp ảnh gia. Một trường hợp hoàn toàn bình thường về sự hiểu lầm của ông chủ trong “cửa hàng” nhiếp ảnh đã khiến Alfred nghĩ đến việc thành lập nhóm những người cùng chí hướng của riêng mình, nơi “dưới cánh của mình” anh có thể tập hợp những nhiếp ảnh gia mà anh thích. Vào đầu năm 1902, người đứng đầu Câu lạc bộ Nghệ thuật Quốc gia, Charles De Kay, giao cho Stieglitz tổ chức một cuộc triển lãm về nhiếp ảnh hiện đại của Mỹ. Cuộc chiến thực sự đã nổ ra giữa các nhiếp ảnh gia xem thành viên nào trong câu lạc bộ có nhiều quyền và công hơn khi tham gia triển lãm. Không thể giành được sự ủng hộ của đa số, Stiglitz phải dùng đến thủ đoạn. Thủ đoạn này chính xác là nguyên nhân dẫn đến việc thành lập một nhóm sáng kiến trong số những người ủng hộ ông. Trong số những trách nhiệm khác của nhóm nhỏ gồm những người có cùng chí hướng này là nhiệm vụ lựa chọn những bức ảnh để triển lãm. Nhóm này, đã đi vào lịch sử nhiếp ảnh với cái tên “Photo-Secession”, được thành lập vào ngày 17 tháng 2 năm 1902, hai tuần trước cuộc triển lãm và sau đó phát triển thành một loại câu lạc bộ.
Tuy nhiên, bất chấp sự dễ dàng và tự phát của việc thành lập một nhóm, việc tham gia vào nhóm đó không hề dễ dàng. Việc lựa chọn các nhiếp ảnh gia vào hàng ngũ những người có cùng chí hướng được đích thân Stieglitz thực hiện. Và quyết định về việc một nhiếp ảnh gia cụ thể có “trở thành hay không” là thành viên của “Photo-Secession” là do người tạo ra nó trực tiếp đưa ra và không phải thảo luận. Vào nhóm này có nghĩa là nổi tiếng và được yêu thích. Alfred có quyền lực và ảnh hưởng trong nghệ thuật nhiếp ảnh Mỹ.
Các thành viên chính của câu lạc bộ, theo nghĩa nào đó, là những người được người sáng lập và chủ tịch thường trực yêu thích, tác phẩm của họ chủ yếu được trưng bày tại các cuộc triển lãm ảnh của phòng trưng bày, là Edward Steichen, John G. Bullock, Clarence White, Gertrude Casebier, Frank Eugene, William B. Dyer, Dalleta Fuge, Frederick Holland Day, Joseph T. Keeley, Robert S. Redfield, Eva Watson Schutze và sau đó là Alvin Langdon Coburn. Tất cả họ đều có chung thái độ tôn kính đối với nhiếp ảnh cùng với người tạo ra nhóm. Theo các thành viên, mục tiêu của nhóm là đoàn kết những người Mỹ vẫn cam kết chụp ảnh sống động, sống động và thể hiện những gì tốt nhất mà các thành viên nhóm và các nhiếp ảnh gia khác đã làm được. Và điều quan trọng nhất mà các nhiếp ảnh gia muốn truyền tải với ý tưởng tạo ra “Photo-Secession” là mang lại giá trị cho một nghề mà cho đến gần đây vẫn được coi là một nghề thủ công. Ấn phẩm chính thức của câu lạc bộ nhỏ trong 14 năm tiếp theo và nguồn “ý kiến ảnh” liên tục mới là tạp chí “Camera Work”, trong đó Stieglitz trở thành nhà xuất bản và biên tập viên.
Tạp chí liên tục dành nhiều không gian để tái hiện các tác phẩm của các nghệ sĩ, xuất bản các bài báo của các nhà phê bình nghệ thuật và in lại tất cả những gì đã viết trên báo về mỗi cuộc triển lãm tác phẩm nghệ thuật trong Phòng trưng bày nhỏ. Các bản sao của các bức tranh khắc từ chính các bức tranh và ảnh chụp cũng được in thường xuyên. Thủ tục giấy tờ như vậy là đặc điểm của một số nhiếp ảnh gia, trong số đó có Stieglitz ở Mỹ và Emerson ở Anh. Họ ưa thích hình thức phân phối ảnh mang tính thương mại này. Việc phát hành các ấn phẩm lớn riêng biệt liên quan đến việc in các bức ảnh chụp độc quyền. Niềm tin tuyệt đối của Alfred rằng chỉ có thể tạo ra một bản in xuất sắc từ một âm bản khiến anh tin rằng bất kỳ bức ảnh nào cũng độc đáo như một bức tranh. Nhưng ông không giữ quan điểm này lâu.
Ngoài ra, trong mỗi số tạp chí, các câu hỏi đã được thảo luận rộng rãi về việc nhiếp ảnh gia hiện tại nào có phong cách nguyên bản hơn và nghệ sĩ này hay nghệ sĩ kia đã mang đến điều gì mới cho nghệ thuật. Không làm giảm giá trị của Stieglitz, cần lưu ý rằng ông là một biên tập viên tiến bộ trong thời đại của mình, điều này được thể hiện bằng việc trao quyền cho bất kỳ nhà văn, nhiếp ảnh gia hoặc nghệ sĩ nào được khám phá điều gì đó mới mẻ và tìm ra con đường riêng của mình, cả trong nghệ thuật. nói chung và đặc biệt trong nhiếp ảnh. Alfred Stieglitz không tiếc chi phí cho đứa con tinh thần yêu thích của mình, tạp chí Camera Work. Và do đó việc xuất bản khá tốn kém. Giấy có chất lượng lý tưởng, hình thức in ấn tốt nhất, các bản khắc được thực hiện bằng tay, được sao chép trên giấy “lụa” - tất cả những điều này cộng lại chỉ làm tăng giá thành của tạp chí. Thuê bao bốn số báo mỗi năm ban đầu có giá 4 đô la, sau đó tất cả là 8 đô la. Và đến năm 1917, ấn phẩm đã có ít hơn bốn mươi người đăng ký. Tất cả điều này dẫn đến việc xuất bản tạp chí trở nên không thực tế và cuối cùng đã bị ngừng lại.
Việc thành lập nhóm Photo-Secession vào năm 1905, sau đó là việc Stieglitz thành lập Phòng trưng bày nhỏ về Photo-Secession, đã tạo ra một chấn động lớn trong thế giới nghệ thuật và đi vào lịch sử với cái tên Gallery 291. . Không có gì lạ, như thoạt nhìn có vẻ như tên của nó. Nó có tên theo địa chỉ nơi đặt phòng trưng bày: 291 Đại lộ số 5. Các cuộc triển lãm của phòng trưng bày không chỉ giới hạn ở những bức ảnh. Trong nỗ lực khơi dậy thị hiếu của công chúng Mỹ bảo thủ, Stieglitz bắt đầu trưng bày tranh của các họa sĩ đương đại tại đây: Matisse, Marin, Hartley, Weber, Rousseau, Picabia, Dove, Renoir, Cezanne, Manet, Picasso, Braque, Rodin, O 'Keeffe và nhiều người khác. Và bên cạnh đó, các tác phẩm điêu khắc của Brancusi, tranh in Nhật Bản và tranh khắc gỗ của người dân Châu Phi. Nhiều nghệ sĩ trong số này lần đầu tiên trưng bày tác phẩm của mình ở Mỹ. Và tất cả những điều này đã xảy ra rất lâu trước “Armory Show” khét tiếng, gây chấn động thế giới nghệ thuật vào năm 1913 và nhiều năm trước thời điểm mà bất kỳ bảo tàng nào ở Mỹ cũng bắt đầu mua lại các tác phẩm điêu khắc của Brancusi hoặc tranh của Picasso.
Nhượng bộ trước sự thuyết phục bền bỉ của Stieglitz, Phòng trưng bày nghệ thuật Albright, tọa lạc tại Buffalo, New York vào năm 1910, đã nhượng lại bảo tàng của mình cho nhóm Photo-Secession. Điều này mang lại cho nhóm cơ hội tổ chức một triển lãm nhiếp ảnh nghệ thuật quốc tế. Hơn năm trăm tác phẩm nhiếp ảnh thuộc nhiều phong cách khác nhau, từ những bức tranh ánh sáng của chủ nghĩa hiện thực bằng hình ảnh cho đến những bức tranh bắt chước nổi bật, đã được lắp đặt trên những giá đỡ được chuẩn bị đặc biệt. Mười lăm trong số chúng đã được mua để triển lãm thường xuyên của bảo tàng. Một cuộc chiến quan trọng nhằm giành được sự công nhận chính thức và xứng đáng cho nhiếp ảnh như một nghệ thuật đã giành chiến thắng. Các nhiếp ảnh gia vui mừng nhưng Stieglitz không có thời gian cho việc đó. Lúc đó anh chỉ còn lại rất ít tiền. Hầu như tất cả họ đều đi thanh toán mọi loại hóa đơn liên quan đến việc tổ chức triển lãm. Sự thiếu hụt kinh phí phải được bù đắp bằng lợi nhuận của Phòng trưng bày nhỏ, hay Phòng trưng bày “291”, nơi thường xuyên tổ chức nhiều cuộc triển lãm khác nhau.
Alfred Stieglitz đã biết cách làm cho các cuộc triển lãm của mình không chỉ là tin tức trên trang nhất mà còn là một sự kiện có một không hai trong đời sống văn hóa. Nhưng điều này hoàn toàn không xảy ra vì anh là một doanh nhân giỏi, ngược lại, chính điều anh thiếu là tinh thần thương mại. Đơn giản vì, thứ nhất, bản thân Stieglitz cũng chân thành ngưỡng mộ những tác phẩm mà ông trưng bày trong tiệm của mình, thứ hai, vì ông là một con người thực sự phi thường. Alfred Stieglitz nổi bật bởi tính nghệ thuật bề ngoài, cách cư xử ngông cuồng và cũng dễ dàng kích động người khác thảo luận. Nhưng điều quan trọng tất nhiên là anh ấy có một bản năng không thể sai lầm về những tác phẩm nghệ thuật xuất sắc cũng như những tài năng trẻ đầy triển vọng. Nhưng vòng nguyệt quế của sự công nhận, thành công và vinh quang không phải lúc nào cũng đến với các cuộc triển lãm của Phòng trưng bày 291. Đã hơn một lần, các nhà phê bình nghệ thuật và công chúng nói chung đã nhân cơ hội này để có cái nhìn khách quan về những tài liệu triển lãm mà họ chưa hiểu và đánh giá cao. Vì vậy, vào năm 1908, cuộc triển lãm của Matisse đã gây ra những cuộc tấn công gây tranh cãi từ các nhà phê bình, đồng thời gây ra sự phản đối từ các đồng nghiệp của Alfred tại Câu lạc bộ Máy ảnh. Sự hiểu lầm và sự từ chối cực độ đối với những ý tưởng đổi mới đã buộc Stiglitz phải rời khỏi câu lạc bộ và sau đó không có sự thuyết phục nào có thể buộc anh ta quay lại đó một lần nữa. Tương tự như vậy, cuộc triển lãm và bán các tác phẩm của Picasso, được tổ chức tại Phòng trưng bày 291 vào năm 1911 và được Stieglitz quyết định tổ chức sau lần trở về tiếp theo từ Paris, đã kết thúc trong thất bại hoàn toàn. Sự phẫn nộ của người tổ chức triển lãm là không có giới hạn: “Tôi đã bán một bức vẽ mà anh ấy vẽ khi còn là cậu bé mười hai tuổi, bức thứ hai tôi tự mua,” Stieglitz viết không giấu sự thất vọng, “Tôi xấu hổ vì nước Mỹ khi trở về tất cả các tác phẩm cho Picasso. Tôi đã bán chúng với giá 20-30 đô la một món. Toàn bộ bộ sưu tập có thể được mua với giá 2.000 USD. Tôi đã đề xuất điều đó với giám đốc Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan. Ông ấy không thấy gì trong tác phẩm của Picasso và nói rằng những điều điên rồ như vậy sẽ không bao giờ được nước Mỹ chấp nhận”. Năm 1913, Stieglitz tổ chức một cuộc triển lãm nghệ thuật hiện đại hoành tráng mang tên Armory Show. Cuộc triển lãm này làm nảy sinh vụ bê bối đầu tiên xung quanh nghệ thuật tiên phong mới nhờ sự tham gia của các tác phẩm của Duchamp và Picabia. Nhưng bất chấp tất cả, nhiếp ảnh gia vẫn tiếp tục công việc của mình theo hướng đã chọn và không gì có thể ngăn cản anh ta khỏi điều này. Sau khi trở thành người phụ trách phòng trưng bày, Alfred Stieglitz bắt đầu sưu tập ảnh và các đồ vật nghệ thuật khác. Đặc biệt, anh ấy đã bổ sung bộ sưu tập của mình bằng các tác phẩm của những người tham gia Photo-Secession, bao gồm cả tác phẩm của chính anh ấy. Qua nhiều năm làm việc, Stieglitz đã sưu tập được hàng trăm bức ảnh về nhiều chủ đề khác nhau. Bộ sưu tập của ông bao gồm cả những bức ảnh phong cảnh thời Victoria và chân dung của những người đương thời nổi bật. Những bức ảnh chụp người vợ thứ hai của Alfred Stieglitz, nghệ sĩ Georgia O'Keeffe, chiếm vị trí độc nhất trong bộ sưu tập của bậc thầy. Nhìn về phía trước, có thể nói rằng trong suốt những năm 1910-1930, Stieglitz đã dành rất nhiều thời gian để chụp ảnh Georgia. Những bức chân dung của cô, được thực hiện theo nhiều phong cách nghệ thuật khác nhau và sử dụng các kỹ thuật khác nhau - tổng cộng hơn 300 bức ảnh - đã thu hút sự quan tâm của các nhà sưu tập trong nhiều thập kỷ. Tuy nhiên, Stieglitz hiếm khi bán được những bức ảnh của mình. Bộ sưu tập ảnh của ông ngày càng lớn hơn theo mỗi mùa mới, mỗi khám phá mới và mỗi nhiếp ảnh gia mới, và vào thời điểm chủ sở hữu và nhà sưu tập bộ sưu tập qua đời vào năm 1946, nó chứa khoảng 1.300 bức ảnh có chất lượng cao nhất. Georgia O'Keeffe sau đó đã tặng gần như toàn bộ bộ sưu tập ảnh cho các bảo tàng hàng đầu ở Mỹ.
Bất chấp chủ nghĩa bảo thủ và cốt lõi hóa thế giới quan của giới tinh hoa nghệ thuật và sự bác bỏ gần như hoàn toàn đối với nghệ thuật mới và tiên tiến do Stieglitz đề xuất, studio vẫn cực kỳ nổi tiếng trong giới trẻ tiến bộ. Một ngày mùa thu năm 1908, có một cuộc triển lãm các bức vẽ của Rodin ở đó. "Tất cả giáo viên của chúng tôi đều nói: 'Để đề phòng, hãy đi xem triển lãm. Có thể có thứ gì đó trong đó, có thể không có gì. Nhưng bạn không nên bỏ lỡ nó'", Georgia O'Keeffe nhớ lại vào thời điểm đó, một sinh viên ở Columbia. College, - "Người phụ trách cuộc triển lãm là một người đàn ông có mái tóc, lông mày và ria mép mọc theo các hướng khác nhau và đứng thẳng. Anh ta rất tức giận và tôi tránh mặt anh ta. Nhưng những bức vẽ đã khiến tôi ấn tượng. Cả sự thẳng thắn và sự thật rằng rằng chúng hoàn toàn không được làm theo cách tôi được dạy.”
Chỉ một vài năm nữa sẽ trôi qua sau cuộc triển lãm các tác phẩm của Rodin, nơi đã khiến Georgia say đắm bởi sự độc đáo trong cách thực hiện, và các tác phẩm của chính cô sẽ được trưng bày trong hội trường nhỏ của Phòng trưng bày 291. Đúng vậy, chúng sẽ được trưng bày trước công chúng mà cô ấy không hề biết hoặc không đồng ý. Điều đó, tất nhiên, sẽ khiến cô gái là tác giả của những bức tranh phẫn nộ. Khi biết rằng một cuộc triển lãm các tác phẩm của cô đang được tổ chức trong phòng trưng bày, O'Keeffe, với lòng phẫn nộ chính đáng, ngay lập tức đi đến xưởng vẽ, với yêu cầu dứt khoát và duy nhất là đưa các bức tranh ra khỏi triển lãm. giữa cô ấy và người tổ chức cuộc triển lãm, người mà chắc hẳn bạn cũng đoán được đó là Alfred Stieglitz, mọi chuyện đã kết thúc một cách thân thiện. năm kết hôn.
Cuộc gặp gỡ này không chỉ đánh dấu sự khởi đầu cho sự hợp tác sáng tạo hiệu quả của họ mà còn trở thành sự khởi đầu cho tình bạn và tình yêu của họ, tiếp tục với những thành công khác nhau cho đến khi người chủ qua đời. Trong một thời gian dài, mối quan hệ thân thiết và nồng ấm nảy sinh giữa Alfred và Georgia không thể không được người khác chú ý. Chẳng bao lâu sau, vợ của Stieglitz, Emmeline, biết được sự tồn tại của đối thủ của mình. Một ngày nọ, dù vô tình hay vô tình, lịch sử vẫn im lặng về chuyện này, cô đi vào studio của nhiếp ảnh gia và phát hiện ra một tình huống không thể rõ ràng hơn. Chồng cô, với chiếc máy ảnh trên tay, khỏa thân chạy quanh Georgia. Không ngần ngại, người phụ nữ bị xúc phạm đuổi cả hai người yêu nhau ra khỏi nhà. Tiếp theo là cuộc ly hôn của Alfred. Nếu đối với bản thân Emmeline và Alfred, cuộc ly hôn gần như là một sự giải thoát cho nhau thì con gái họ đã phải chịu đựng sự chia ly của cha mẹ rất khó khăn. Sau đó cô ấy sẽ phải hồi phục lâu dài sau cơn trầm cảm liên quan đến cuộc ly hôn này. Sau khi chia tay người vợ không được yêu thương, nhiếp ảnh gia ngay lập tức có được sự tự do đã chờ đợi từ lâu, đồng thời mất đi sự độc lập về tài chính. Suy cho cùng, với việc mất đi địa vị của người chồng, anh ta cũng mất đi quyền tiếp cận tài sản của vợ mình. Cụ thể, chính từ nguồn này mà nhiều dự án sáng tạo và xuất bản của ông đã được tài trợ. Đây là hệ quả của việc vào đầu năm 1917, Alfred Stieglitz buộc phải đóng cửa đứa con tinh thần yêu thích của mình - “Phòng trưng bày 291”. Tất nhiên, anh còn lâu mới dang tay ra phố mà phải quên đi việc hỗ trợ tài chính cho những nhiếp ảnh gia và nghệ sĩ trẻ và tài năng khác, hầu hết là những người trẻ và tài năng. Anh ấy không còn tiền cho việc này nữa. Georgia phản ứng một cách triết lý với tình hình hiện tại: “Và đúng như vậy,” cô nói, “Khi các nghệ sĩ đói, họ viết hay hơn.”
Bất chấp sự chênh lệch tuổi tác lớn tới 24 tuổi, Stieglitz và O'Keeffe vẫn tiếp tục ở bên nhau. Họ đăng ký mối quan hệ vào năm 1924. Alfred giới thiệu người vợ mới của mình với giới xã hội gồm những người bạn của ông, những nhiếp ảnh gia theo chủ nghĩa hiện đại. quay trở lại với hội họa mà bà đã từ bỏ vì lý do gia đình vào năm 1908 - 1912. Với sự hỗ trợ và bảo trợ tích cực của Stieglitz, các bức tranh phong cảnh và tĩnh vật của O'Keeffe bắt đầu được trưng bày liên tục bắt đầu từ năm 1923. Đó là nhờ có chồng bà, tên của ông. , những mối quan hệ và nỗ lực của anh ấy, Georgia trở thành một nghệ sĩ thời trang và được trả lương cao.
Nhưng hợp pháp hóa các mối quan hệ và làm việc cùng nhau không mang lại hòa bình và hòa hợp cho một gia đình trẻ. Sự chênh lệch tuổi tác, và có lẽ, bản tính khá đa tình và hay thay đổi của Georgia đã khiêu khích cô hết lần này đến lần khác phản bội. Cô không đặc biệt kén chọn trong sự lựa chọn của mình và không ngần ngại yêu các học trò và bạn bè của Stieglitz. Lúc đầu, đó là nhiếp ảnh gia trẻ tuổi và tài năng Paul Strand, kém cô ba tuổi. Sau này, Ansel Adams, người lúc bấy giờ là một trong những nhiếp ảnh gia phong cảnh nổi tiếng nhất nước Mỹ, trở thành người tình của O'Keeffe. Georgia cho phép mình ra đi và đến. Cô thích sống theo cách cô muốn và với người cô muốn. Nhưng tại thời điểm đó đồng thời cô luôn dành quyền quay trở lại. Một trong những mối tình giật gân nhất của cô là mối tình với... vợ của Paul Strand vào cuối những năm 1920. Nhân tiện, vài năm trước đó, niềm đam mê mới của O'Keeffe đã ủng hộ Stiglitz. Rất khó để hiểu tất cả những mối tình tay ba, hình vuông và hình song song này - và những khúc quanh này có đáng không?
Chúng ta đang nói về ông chủ và công việc của ông ấy. Mặc dù không hiểu cuộc sống cá nhân của anh ta thì sẽ không có sự hiểu biết đầy đủ, và do đó, không có nhận thức về công việc của anh ta. Do đó, chúng ta hãy tìm hiểu chi tiết hơn về một tình tiết khá quan trọng khác trong cuộc đời cá nhân của Alfred Stieglitz, người đã để lại dấu ấn khá quan trọng không chỉ đối với bản thân cuộc sống mà còn chắc chắn là đối với tác phẩm sau này của nhiếp ảnh gia. Năm 1927, một học sinh mới đến với thầy, người này cũng trở thành người mẫu và cũng là người yêu của thầy. Tên học sinh này là Dorothy Norman. Và cô ấy chỉ mới 22 tuổi. Nhưng điều này sẽ không ngăn cản cô thực sự yêu cô giáo của mình. Sau đó, Dorothy sẽ viết một cuốn sách về anh ấy. Cuộc gặp gỡ này không chỉ mang lại những trải nghiệm tình yêu mà còn là một sự rung chuyển về mặt cảm xúc, rất cần thiết đối với nhiếp ảnh gia, một lần nữa đánh thức sự quan tâm của Alfred ở tuổi trung niên đối với cả cuộc sống và nghệ thuật. Anh ấy lại trở nên không thể tách rời khỏi chiếc máy ảnh của mình. Cùng với sự thức tỉnh của làn gió sáng tạo thứ hai, anh cảm thấy thôi thúc không thể cưỡng lại được việc chụp ảnh không chỉ cơ thể xinh đẹp của người tình cuối cùng mà còn cả thành phố yêu dấu của mình. Tất nhiên, anh không còn đủ sức để chạy qua đường với chiếc máy ảnh và đứng hàng giờ để chờ thời điểm thích hợp, vì vậy anh ngày càng cố gắng chụp cảnh thành phố từ cửa sổ ngôi nhà hoặc studio của mình. Nhưng điều này cũng có lợi thế của nó. Theo một số nhà nghiên cứu về tác phẩm của ông, New York của cố Stieglitz trông sáng sủa và biểu cảm hơn đáng kể so với các tác phẩm trước đây của ông.
Đã hơn một lần lừa dối chồng, Georgia O'Keeffe vẫn đang gặp rất nhiều khó khăn với sự xuất hiện của một kẻ phá hoại gia đình trẻ tuổi giữa cô và Alfred. Việc chia tay Stieglitz vẫn là nỗi đau đối với cô. Nhưng ở đây, cô đã thể hiện sự khôn ngoan nữ tính và, trong cuối cùng hóa ra lại thông minh hơn những người đi trước. Georgia ra đi một thời gian, để lại đôi tình nhân một mình với nhau và những tình cảm mới của họ. Cô không phải không có lý do mà đợi cho đến khi chồng mình "phát điên" và cuối cùng, đã trở lại, nhưng “theo điều kiện riêng của cô ấy.”
Bất chấp những cuộc tình đầy sóng gió đi kèm với cuộc sống cá nhân của nhiếp ảnh gia và có lẽ nhờ chúng mà cuộc đời sáng tạo của Stieglitz những năm 1920-1930 rất giàu thành tựu và khá thành công. Anh ấy đã quay phim rất nhiều. Những bức ảnh của anh ấy đã nhận được sự yêu thích xứng đáng. Các tác phẩm của Stieglitz không bao giờ rời khỏi các trang sách và album ảnh; chúng được vinh danh trên bìa tạp chí và trên các gian triển lãm đặc biệt. Chính Stieglitz là người đã trở thành nhiếp ảnh gia đầu tiên có tác phẩm nhiếp ảnh được trao tặng danh hiệu bảo tàng.
Nhưng việc đóng cửa Phòng trưng bày 291 không để lại dấu vết gì cho nhiếp ảnh gia. Điều này tạo ra những khó khăn đáng kể cho Stieglitz trong việc trình bày tác phẩm của mình cũng như tác phẩm của các học trò và bạn bè của ông. Đi theo con đường cũ, vào tháng 12 năm 1925, ông mở phòng trưng bày “Thân mật”. Nói một cách nhẹ nhàng, phòng trưng bày là một căn phòng có kích thước nhỏ. Stieglitz gọi nó là “Căn phòng”. Nhưng trong bốn năm tồn tại của phòng trưng bày, nó đã tổ chức hàng chục cuộc triển lãm luôn được những người sành nghệ thuật yêu thích. Những bức ảnh chân dung do Stieglitz tạo ra về những người bạn của ông, các nghệ sĩ trong xưởng vẽ của ông - John Marin, Arthur Dove, Marsden Hartley, Georgia O'Keeffe, Charles Demuth - không hề giả dối hay giả tạo, chúng vẫn rõ ràng và chân thành, phản ánh hoàn hảo tính cách của mỗi người trong số họ Trong tám năm, kể từ khi đóng cửa Phòng trưng bày 291 và mở Phòng trưng bày Thân mật vào năm 1925, những thành tựu chuyên môn tốt nhất của Stieglitz về cơ bản đã được thể hiện trong ba cuộc triển lãm hồi tưởng, trong đó một vị trí đặc biệt được đảm nhận bởi một cuộc triển lãm về tác phẩm nhiếp ảnh của ông từ năm 1886 đến năm 1921 tại Phòng trưng bày Mitchell Kenerley ở New York. Báo chí hàng đầu ca ngợi sự hoàn hảo của chúng. Trong danh mục phát hành cho cuộc hồi tưởng này, Stieglitz đã viết, đặc biệt: “Ước mơ của tôi là đạt được khả năng có được một số lượng bản in từ mỗi phim âm bản, những bản in sống động và không thể phân biệt được với nhau.” Bậc thầy vĩ đại không mệt mỏi tiếp tục phát triển các khái niệm nhiếp ảnh của riêng mình. Ông liên tục cơ cấu lại tác phẩm của mình, điều chỉnh nó cho phù hợp với những yêu cầu mới. Theo quy định, ý nghĩa của những đổi mới này là đảm bảo rằng toàn bộ khu vực âm bản đều sắc nét. Trong phòng trưng bày mới của mình, Intimate, anh ấy đang tổ chức một cuộc triển lãm các tác phẩm của Paul Strand, một nhiếp ảnh gia đã thể hiện nhiều hứa hẹn và là người mà Stieglitz đã chú ý từ lâu. Năm 1924, Bảo tàng Mỹ thuật Boston đã mua được 27 bức ảnh của ông và Hiệp hội Nhiếp ảnh Hoàng gia đã trao tặng ông Huân chương Tiến bộ.
Vào đầu năm 1930, ông bắt đầu quan tâm đến một dự án mới và mở phòng trưng bày tiếp theo của mình, “An American Place”. Phòng trưng bày này tiếp tục hoạt động cho đến khi ông qua đời. Studio tọa lạc tại 509 Đại lộ Madison trong phòng số 1710. Máy ảnh của anh ấy hầu như không hoạt động vì lúc này anh ấy bị đau tim và ngày càng không thể rời khỏi xưởng phim. Các nghệ sĩ mà trước đây ông bảo trợ và quảng bá bằng mọi cách có thể đã được công nhận trên toàn thế giới và các tác phẩm của họ đã được đưa vào triển lãm tại các bảo tàng tốt nhất trong nước.
Theo Encyclopedia Britannica, không ai nghi ngờ sự thật rằng Stieglitz “gần như một tay đưa đất nước của mình bước vào thế giới nghệ thuật thế kỷ 20”. Và ông đã làm điều này với một bàn tay hống hách, thậm chí có thể đối xử hơi tàn nhẫn với những ai dám mâu thuẫn với ông. Ngay cả đối với những người được chính ông “chọn”, Stiglitz cũng không có ngoại lệ. Sự thật vẫn là nhiếp ảnh gia đã lên án gay gắt Edward Steichen, người mà theo quan điểm của ông là “phản bội nghệ thuật vì lợi ích thương mại”. Bản thân Alfred cũng phải chịu đựng những tình huống như vậy vô cùng nhiều hơn những người khác, nhưng anh không thể tự giúp mình. “Ông ấy không thể chấp nhận việc các học trò của mình đang dần rời bỏ ông ấy, rằng họ đang tìm con đường riêng cho mình, ông ấy luôn tin rằng họ đang phản bội ông ấy. Đây là vở kịch của cả cuộc đời anh. Anh ta là một người chủ khủng khiếp. Không nhận ra điều đó,” cháu gái của nhiếp ảnh gia Sue Davidson Lowe, người đã trở thành tác giả cuốn sách “Stieglitz: A Memoir/Biography,” viết. Ngay cả với những người bạn thân nhất của mình, anh ấy có thể hủy hoại các mối quan hệ mà không hề đắn đo: “Ngày tôi bước vào Phòng trưng bày 291 là ngày tuyệt vời nhất trong cuộc đời tôi…” Paul Strand viết trong hồi ký của mình, “Nhưng ngày tôi bước ra khỏi An American Place cũng tuyệt vời như vậy. Như thể tôi đã bước ra ngoài không khí trong lành, giải thoát mình khỏi mọi thứ đã trở thành, ít nhất đối với tôi, thứ yếu, vô đạo đức và vô nghĩa.”
Nhưng đến cuối cuộc đời của nhiếp ảnh gia, số phận đã quyết định chơi một trò đùa tàn nhẫn với anh. Có lẽ, như một hình phạt cho chế độ chuyên quyền kéo dài nhiều năm, sự không khoan dung và đòi hỏi sự phục tùng nghiêm ngặt của anh ta, cô đã chuẩn bị cho Stieglitz một bất ngờ khó chịu. Quen với việc ra lệnh cả đời, nhiếp ảnh gia này đã dành những năm cuối đời hoàn toàn phụ thuộc vào người vợ thứ hai Georgia O'Keeffe. Vị trí phụ thuộc nhục nhã của nhiếp ảnh gia bắt nguồn từ một cơn đau tim xảy ra với ông vào đầu năm 1938. Lần đầu tiên cuộc tấn công được theo sau bởi những người khác. Mỗi cuộc tấn công tiếp theo mạnh hơn cuộc tấn công trước. Họ dần dần nhưng chắc chắn đã làm cho vĩ nhân mạnh mẽ và bồn chồn một thời ngày càng trở nên yếu đuối. Georgia đã không chậm trễ trong việc lợi dụng tình hình và giành lấy dây cương kiểm soát. chính tay mình: “Cô ấy thuê một căn hộ áp mái, sơn toàn bộ căn phòng màu trắng, không treo rèm trên cửa sổ và chỉ trang trí tường bằng các tác phẩm của mình,” tác giả Benita Eisler cho biết trong cuốn sách “O” Keeffe và Stieglitz: An American Lãng mạn.” “Cô ấy đưa cho người gác cổng một danh sách những vị khách được phép vào nhà, và tên của người phụ nữ không bao giờ được phép vào nhà là Dorothy Norman. Stiglitz quá yếu để phản đối. Đầy giận dữ và cay đắng khi cô ra lệnh vào nhà, anh đã quỳ lạy khi cô rời đi. Về mặt tài chính, anh hoàn toàn phụ thuộc vào cô, điều đó khiến anh không thể chịu nổi. Kiến trúc sư Claude Bragdon cho biết mỗi khi ông gọi điện, Stieglitz luôn cô đơn và chán nản. Anh ấy đã muốn chết."
Trớ trêu thay hay do định mệnh, người phụ nữ trải qua những năm cuối đời với nhiếp ảnh gia này lại ra đi khi Stieglitz lên cơn đau tim khác vào mùa hè năm 1946. Hóa ra sau này, nó đã trở thành thử thách cuối cùng trong cuộc đời của Alfred Stieglitz. Trở về nhà, Georgia O'Keeffe vội vã đến bệnh viện thăm chồng. Lúc đó ông vẫn còn sống nhưng đã bất tỉnh liên tục. Dorothy Norman trung thành ngồi cạnh giường ông. Đáng lẽ, vận rủi đã không ập đến với ông. hai người phụ nữ trở thành đối thủ trong cuộc sống. Georgia đã đuổi tình nhân trẻ cũ của chồng và dành những giờ phút cuối cùng một mình với anh ta. Alfred Stieglitz qua đời vào ngày 13 tháng 7 năm 1946 mà không tỉnh lại. Theo di chúc của ông, thi thể của ông được hỏa táng và Georgia được vận chuyển tro cốt của nhiếp ảnh gia đến hồ George gần New York, nơi họ từng hưởng tuần trăng mật. Và sau đó, cô không nói cho ai biết về nơi an nghỉ cuối cùng của anh. đến câu: “Tôi đặt anh ấy ở nơi anh ấy có thể nghe thấy tiếng hồ.”
Sau cái chết của Stieglitz, O'Keeffe đã dành vài năm để phân loại di sản của ông. Sau đó, bà đã tặng gần như tất cả các tác phẩm của nhiếp ảnh gia này, hơn 3 nghìn bức ảnh, cũng như thư từ của ông, lên tới hơn 50 nghìn bức thư, cho các bảo tàng lớn của Mỹ. và thư viện.
Trong suốt cuộc đời của mình, Alfred Stieglitz đã trở thành một nhân cách quan trọng, gần như một huyền thoại. Và mười hai năm trước khi ông qua đời, một nhóm nhiếp ảnh gia đã xuất bản một cuốn sách đưa ra đánh giá xứng đáng về tác phẩm của Stieglitz. Bậc thầy xuất sắc vẫn là một nhân vật quyền lực trong lịch sử nghệ thuật Mỹ ngày nay. Và sự quan tâm lâu dài của tất cả các thế hệ sau này của những người sành nhiếp ảnh như một nghệ thuật đối với các tác phẩm của ông là bằng chứng cho thấy Stieglitz đã được mọi người công nhận là một trong những nghệ sĩ nhiếp ảnh xuất sắc của Mỹ.
Một triệu bốn trăm bảy mươi nghìn đô la, đó là giá của bức ảnh “Georgia O’Keeffe (Bàn tay)”, được bán tại một trong những cuộc đấu giá vào tháng 2 năm 2006. Vì vậy, không ai nghi ngờ rằng ngày nay Stieglitz là một trong những nhiếp ảnh gia đắt giá nhất thế giới.
“Tôi sinh ra ở Hoboken. Tôi là người Mỹ. Nhiếp ảnh là niềm đam mê của tôi. Việc tìm kiếm Sự thật là cơn nghiện của tôi”, chính Alfred Stieglitz đã nói về bản thân mình. Tôi muốn tin rằng Người nghệ sĩ vĩ đại này cuối cùng đã tìm thấy chân lý cuộc sống của mình.
